Un problema muy común en las fotografías tomadas por los aficionados, bajo condiciones de luminosidad no lo suficientemente adecuada, es su escasa nitidez. Muchos son los factores que afectan a esta circustancia, si bien, pueden resumirse en uno solo: las pequeñas vibraciones de la cámara durante la toma.

Si se comprueban los datos EXIF de muchas imágenes tomadas con poca luz, por ejemplo, aquéllas tomadas en un concierto, se puede observar que se han utilizado velocidades de obturación de 1/30 s, en combinación con distancias focales en torno a los 200mm. Para un fotógrafo experimentado resultaría evidente que una velocidad así es demasiado lenta para la toma adecuada con una distancia tele, especialmente si la cámara no está dispuesta sobre un trípode.

Este inconveniente podría minimizarse aumentando la sensibilidad ISO de la cámara, lo que permitiría el uso de una velocidad mayor. Pero, si se pregunta a muchos aficionados sobre tal posibilidad, se obtiene una respuesta casi unánime: “no quiero ruido en mis fotografías”.

Efectivamente, al aumentar la sensibilidad también se incrementa el ruido, pero de no hacerse, se obtienen imágenes con poca nitidez. Para evitar el problema del ruido se crea otro, el de la nitidez, que, además, resulta muy complicado, si no imposible, corregir posteriormente en un programa de edición.

El ruido aparece cuando se utilizan sensibilidades altas.

El pánico que sienten los usuario por el ruido tiene sus orígenes en los inicios de la fotografía digital, cuando las cámaras producían imágenes muy “ruidosas”, incluso, con ajustes ISO moderados, en comparación con las que se tomaban con película, bajo las mismas condiciones.

Afortunadamente, esto ha cambiado en gran medida, gracias a las mejoras en la fabricación y diseño de los sensores y en las tecnologías aplicadas a la redución de ruido. En la actualidad se pueden obtener imágenes “limpias” con sensibilidades de 400 ISO, 800 ISO, e incluso mayores. La cuestión principal es saber cuándo utilizar sensibilidades altas y qué hacer con el ruido que generan.

¿Qué es el ruido?

Para saber cómo manejar el ruido, primero se debe conocer qué es. El sensor de las cámaras digitales, ya sea CCD o CMOS, está compuesto por millones de diodos fotosensibles, o píxeles, que convierten las partículas de luz (fotones) en una señal digital, procesada posteriormente por la cámara para formar la imagen final. Cuando están cargados eléctricamente, cada uno de estos diodos tiene un nivel básico de ruido, denominado “ruido de fondo”. Cuanto mayor es la cantidad de luz que el sensor recibe sobre el ruido de fondo, menor será la presencia de ruido en la imagen final.

El tamaño del píxel también desempeña un importante papel en la presencia de ruido. Los píxeles de mayor tamaño captan más luz, por lo que generan menos ruido. Este es el motivo por el que las cámaras réflex, que tienen píxeles de mayor tamaño, generan menos ruido que las compactas, cuyos píxeles son menores, aún cuando ofrezcan la misma resolución.

Con todo ello, se puede comprender que cuando los niveles de luminosidad son bajos aumenta el riesgo de obtener ruido: En estas situaciones, el ruido es fácilmente identificable en zonas de la imagen con color uniforme, como un cielo azul, en forma de pequeñas motas multicolores. También puede verse con claridad el ruido en los canales rojos y azul de una fotografía digital.

A medida que se incrementa la sensibilidad ISO de la cámara, también se aumenta el ruido en la imagen, del mismo modo que se escucha más ruido estático cuando se sube el volumen de un equipo de música. Aparte de esto, otros factores influyen en la presencia de ruido, como el calor o el tiempo que el sensor permanece cargado.

A pesar del incremento del ruido, existen razones más que justificables para utilizar una sensibilidad alta. Al seleccionar un ajuste ISO alto, se incrementa la sensibilidad a la luz de la cámara, lo que posibilita el uso de una velocidad más rápida, y, en consecuencia, la obtención de una imagen más nítida.

Tomas con baja luminosidad

Son muchos los aficionados a los que les gusta tomar fotografías en espectáculos, donde actores, músicos o bailarines actúan sobre un escenario. Estas situaciones son relativamente complicadas de fotografiar, ya que no se tiene un control adecuado de la luz. El uso del flash suele estar prohibido, además de resultar de poca utilidad dada la gran distancia al sujeto, por lo que hay que aprovechar únicamente la luz de la escena.

Las exposiciones prolongadas resultan idóneas cuando no aparecen sujetos en movimiento. © Lisa.

La iluminación de la escena, incluso en las mejores condiciones, no proporciona luz suficiente para tomar fotografías a bajas sensibilidades, como 100 ó 200 ISO. La elección de una sensibilidad de este tipo obliga a seleccionar una velocidad de obturación lenta, del orden de 1/15s o menor, incluso si se utiliza un objetivo luminoso con una abertura máxima de F/2.8. Con estos parámetros, las imágenes tendrán un aspecto desenfocado, no sólo por las vibraciones de la cámara, sino por los movimientos de los sujetos, al no utilizar una velocidad suficientemente rápida para congelar la acción.

Lo más sencillo en estas circustancias es aumentar la sensibilidad hasta 800, 1600 ISO, o incluso más. Es preferible obtener una imagen nítida, aunque “ruidosa”, que una sin ruido, pero desenfocada. La primera de ellas podrá corregirse posteriormente con un software apropiado, mientras que la segunda resultará completamente inútil.

Todas las imágenes que ilustran este artículo fueron tomadas con sensibilidades de 800 ISO o superiores, y, como se puede comprobar, su calidad es buena, incluso después de utilizar una aplicación para reducir el ruido.

Aún así, en muchos casos, incluso una sensibilidad de 1600 ISO no posibilita el uso de velocidades suficientemente rápidas, particularmente cuando se utiliza una distancia focal tele. Es en estas situaciones donde el sistema de estabilización de las cámaras resulta de gran ayuda, si bien, aunque permite reducir los efectos de las vibraciones, no puede actuar sobre los movimientos de los sujetos.

Resulta evidente que el acierto para capturar un gesto o una acción determinada, depende totalmente del fotógrafo, pero siempre resultará más sencillo si la cámara se adapta adecuadamente a las difíciles condiciones de luz.

Aumentando la sensibilidad ISO, utilizando la velocidad más rápida posible y sosteniendo la cámara con firmeza, se pueden obtener buenos resultados, aunque, por supuesto, los sujetos en movimiento aparecerán movidos.

La importancia de la exposición

La exposición siempre es importante cuando se toman imágenes, pero resulta fundamental cuando se fotografía bajo condiciones de iluminación escasa. Las tomas subexpuestas favorecen la presencia de ruido, y, cuando se intentan corregir en un programa de edición con la intención de recuperar los detalles de las sombras, se hace aún más evidente el ruido de la imagen.

Por lo tanto, es importante conseguir la exposición más adecuada posible, y pocas cosas resultan de más ayuda que el histograma de la cámara. Esta representación gráfica de los datos tonales de la imagen, desde el blanco más luminoso al negro más oscuro, ofrece una importante referencia para conocer el riesgo de presencia de ruido debido a una subexposición severa de la imagen.

Para evitar que se quemen las altas luces, algunos fotógrafos habitualmente compensan la exposición de la cámara en -1/3 EV ó -1/2 EV. Sin embargo, esto supone un gran inconveniente cuando se fotografía en condiciones de poca iluminación y con sensibilidades altas, ya que se subexponen las imágenes más de lo necesario. Observando el histograma se puede obtener un conocimiento más preciso de la iluminación y la exposición, asegurando la obtención de una luminosidad máxima y detalle en las sombras.

Para fotografiar espectáculos, es recomendable utilizar la cámara en modo manual. Los modos de exposición automáticos y semiautomáticos, como los de prioridad a la abertura o a la velocidad, pueden verse influidos negativamente por los elementos oscuros y luminosos de la escena, resultando en ajustes de exposición que pueden disminuir la calidad de la toma. Es muy corriente presenciar espectáculos en los que el fondo de la escena es muy oscuro, por lo que la cámara puede verse inducida a utilizar un tiempo de exposición mayor del necesario, con el riesgo de sobreexponer las imágenes. Al emplear el modo manual se evita este problema y se asegura una exposición correcta. Si, además, la iluminación del escenario es cambiante, se deben realizar unas tomas de prueba, evaluar sus histogramas, y aplicar los ajustes necesarios.

La exposición es también muy importante si se realizan tomas de tiempo prolongado, aunque se pueden aprovechar los beneficios del filtro de redución de ruido, con el que cuentan muchos modelos digitales, que disminuye la presencia de ruido mientras el sensor permanece cargado durante un tiempo considerable. Lo más negativo de esta práctica es que se necesitarán mayores tiempos de procesado de la imagen, lo que resulta muy fastidioso cuando se fotografía un espectáculo. En simples tomas nocturnas, sin embargo, esta característica resulta una excelente opción.

Software de redución de ruido

Reducir la presencia de ruido de las imágenes digitales con posterioridad a la toma, es posible grácias a un buen número de aplicaciones. Tanto Photoshop como otros muchos programas de edición, incorporan filtros que permiten cierto nivel de redución de ruido, si bien, su efectividad no es siempre la más óptima. Para obtener mejores resultados, existen un buen número de aplicaciones y plug-ins que ofrecen un mayor control sobre el ruido de la imagen. Alien Skin Image Doctor, Auto FX AutoEye 2.0. Programas como Imagenomic Noiseware, Nik Software Dfine y PictureCode Noise Ninja, por citar sólo algunos de ellos, permiten evaluar los archivos y separar el ruido de los datos de la imagen.

Imagen original, tomada con sensibilidad alta.

La misma imagen tras ser procesada con una aplicación de reducción de ruido.

Estas aplicaciones suelen realizar un buen trabajo en la eliminación de ruido, aunque siempre llevan acompañada una ligera pérdida en la nitidez de las fotografías. Sin embargo, todos ellos proporcionan al usuario un control detallado sobre la intensidad de la redución de ruido aplicada.

Para resumir, aunque el ruido es un elemento incómodo, los beneficios de utilizar sensibilidades altas son muy grandes, especialmente cuando se ha de elegir entre obtener una fotografía aceptable o una imagen desenfocada.

Aunque la fotografía en blanco y negro está experimentando un renacimiento, el mundo es en color y así es como se muestra en la mayoría de imágenes. Pero, en ocasiones, la riqueza de color de una escena no se transmite a la imagen final.

Son muchos los fotógrafos que se sienten contrariados al comprobar que sus fotografías no plasman con fidelidad los colores que observaban al inmortalizar una escena. A algunos, incluso, les gustaría interpretar los colores de forma que expresen determinadas sensaciones. Photoshop ofrece soluciones para ello, ya que permite retocar los colores para adecuarlos a sus gustos. Sin embargo, es imprescindible tener ciertos conocimientos para obtener unos resultados completamente satisfactorios. A continuación ofrecemos algunas ideas de cómo ajustar las fotografías para conseguir los mejores colores.

En ocasiones, los colores obtenidos en una fotografía no hacen honor a los de la escena original.

Primeros pasos

Cuando los colores no son los más adecuados, muchos fotógrafos acuden a los ajustes de Tono/saturación, o herramientas similares, y comienzan a experimentar con sus parámetros. En realidad esto es un error. Para conseguir buenos colores primeramente hay que conseguir un buen entorno, y esto se consigue adecuando los blancos, negros y medios tonos. Sin un negro sólido en la imagen, no se pueden conseguir colores vobrantes.

1. Para comenzar a ajustar los blancos y negros usaremos los Niveles y la tecla Alt/Opción. Al pulsar el manejador negro junto con la tecla Alt/Opción, la pantalla se vuelve completamente blanca. A medida que el manejador se desliza hacia la derecha, comienzan a aparecer elementos de la imagen que son negros, en lo que se denomina pantalla de umbral. Un efecto similar tiene lugar cuando se desliza hacia la derecha el manejador blanco, con la tecla Alt/Opción pulsada, solo que, en esta ocasión, la pantalla de umbral se vuelve negra. Para conseguir un ajuste apropiado se deben ajustar ambos deslizadores cuando comiencen a aparecer elementos.

En la ventana de Niveles, al mantener pulsada la tecla Alt/Opción mientras se deslizan los manejadores negro o blanco, aparece la pantalla de umbral.

Se pueden realizar unos ajustes similares también en Adobe Camera Raw y Photoshop Lightroom, en donde el negro se ve afectado por el deslizador Negros, y el blanco por el de Exposición. Lightroom, sin embargo, sobreajusta los blancos si sólo se usa la tecla Alt/Opción. Un buen método consiste en localizar el punto de umbral, de este modo, y posteriormente ajustar los deslizadores hasta que la imagen tenga un buen aspecto.

2. Usar las curvas para aclarar u oscurecer el aspecto general de la imagen. Para este proceso también se puede utilizar el deslizador de tonos medios de los Niveles, aunque ofrece un menor control.

En Adobe Camera Raw, los negros se ajustan con el controlador Negros, mientras que Exposición afecta a los blancos.

El reto de la saturación

3. El ajuste Tono/saturación, de Photoshop, Lightroom y Camera Raw, así como de otros programas, es la herramienta favorita de los amantes de los colores vivos. Para llegar a él basta desplegar los menús de Photoshop Imagen > Ajustes > Tono/saturación.

El principal problama es que Saturación es una herramienta relativamente rudimentaria, y satura todo, incluso los colores ya saturados, por lo que es muy fácil dotar a la imagen de un aspecto poco natural. Este efecto es más notorio, aún, si previamente se han ajustado los blancos y los negros, como es nuestro caso.

Con las curvas se puede aclarar u oscurecer la imagen.

Por este motivo, esta herramienta se debe usar con moderación. Resulta muy útil para mejorar el aspecto general de los colores apagados, pero nunca superando una intensidad de 10 ó 12 puntos.

Independientemente de los controles utilizados, se ha de poner mucho cuidado a la hora de aplicar ajustes globales. Una fotografía puede perder con rapidez la calidad de sus colores, estropeando los resultados. Es importante observar el efecto que tiene un ajuste sobre todos los colores antes de aplicarlo.

Tono/saturación posibilita el incremento o la reducción de la saturación de una imagen.

Trabajando con cada color por separado

En muchas ocasiones, los colores de una imagen requieren un tratamiento individualizado. Las cámaras no capturan todos los colores de igual forma, por lo que es bastante común descubrir que sólo uno o dos colores necesitan ser ajustados, mientras que el resto tiene un aspecto adecuado.

En estos casos, se necesita una herramienta que permita trabajar con los colores individualmente, como, por ejemplo, mejorar los rojos sin modificar los azules. Todos los programas mencionados ofrecen ajustes que cumplen esta característica.

Tono/saturación también permite corregir cada color selectivamente, aunque la variación de un color específico influirá en todos aquellos de los que forma parte.

4. En la ventana de Tono/saturación existe un menú desplegable (Editar: Todos) que permite seleccionar un color específico. Al elegir un color determinado, los ajustes de saturación lo modifican a él, así como a todos los otros de los que forme parte. De este modo, se pueden mejorar los rojos, sin modificar los azules, por ejemplo.

Pero, se puede acotar el ajuste aún más. Con la ventana Tono/saturación abierta, se puede desplazar el cursor sobre la imagen, y pinchar sobre un punto que contenga el color en cuestión. La barra de color situada en la parte inferior de la ventana se desplazará para controlar mejor ese color.

No se debe aumentar la saturación en exceso, porque la imagen puede adquirir un aspecto poco natural.

Además, se pueden acotar o expandir el rango de acción, sólo con modificar los límites de los marcadores que aparecen en la barra de color, reduciéndolos para un control más específico del color y expandiéndolos para incluir una mayor variedad de tonos. Ha de tenerse cuidado al realizar esta acción, observando los límites de cambio de color, ya que si se limita en exceso el rango de colores, los píxeles de ese color pueden destacar en exceso sobre el entorno.

Una vez seleccionando el rango de color apropiado, es momento de usar el control Saturación. Ahora, se puede realizar un ajuste más preciso, al estar trabajando con un solo color.

Al pinchar con el cursor sobre un punto de la imagen, la barra de color se desplaza para controlarlo con precisión.

Este proceso se ha de repetir con otros colores, si fuera necesario, pudiendo modificar tantos como aparecen en los controles. No se debe olvidar que los colores no son puros ni están aislados, por lo que al ajustar el amarillo, por ejemplo, se afectará también al verde y al naranja, al formar parte de ellos. La barra de color de la ventana proporciona una idea aproximada del rango de colores afectados.

Este mismo proceso, pero utilizando el control Tono, es una buena forma de corregir los colores que no han sido capturados por la cámara de forma adecuada. No es raro, por ejemplo, que las flores aparezcan apagadas por culpa de un tono capturado indebidamente, o que los tonos verdes de las escenas de exterior presenten un aspecto excesivamente amarillento.

El rango de colores sobre los que tendrá efecto el ajuste puede expandirse o contraerse por medio de los marcadores que aparecen en la barra de color.

Si se selecciona como se ha descrito antes el color erróneo, y se ajusta el tono, se puede conseguir un resultado similar al de la escena original. Normalmente, estos ajustes se limitan a unos pocos puntos.

También se pueden conseguir efectos sorprendentes al modificar los colores originales. Este proceso puede utilizarse para cambiar el color de un objeto determinado, como por ejemplo, el color de la camiseta de una persona, o el de un coche que aparezca en la imagen.

El control Tono puede utilizarse para modificar los colores. Su uso creativo permite obtener efectos sorprendentes.

Los fotógrafos de publicidad utilizan constantemente esta técnica para ajustarse a las nuevas sujerencias de los clientes (¿cómo quedaría el vestido de la modelo en rojo, en vez de en verde?). Cuando es necesario limitar los cambios a un área específica de la imagen, probablemente será necesario seleccionar esa parte antes de realizar los ajustes. Si se hace una selección y se crea una nueva capa de ajuste Tono/saturación, automáticamente se creará una máscara que limitará las modificaciones a la zona específica. Para evitar que aparezca un cambio brusco entre la zona seleccionada y el resto de la fotografía, se pueden suavizar los límites de la máscara por medio del desenfoque gaussiano.

Adobe Camera Raw, al igual que Lightroom, ofrece un control más natural de los ajustes de color, dentro del panel HSL.

Camera Raw y Lightroom van un paso más allá en cuanto a control. Los colores son más específicos, de tal modo que si se ajustan los verdes, por ejemplo, los amarillos no se ven afectados, como sí ocurre en la herramienta Tono/saturación.

En Camera Raw, estos ajustes individuales se encuentran en la pestaña HSL (Tono, Saturación y Luminancia), el mismo grupo en el que se localizan en Lightroom. Adobe ha desarrollado nuevos algoritmos para ajustar los colores. A diferencia de lo que ocurre en Photoshop, los tonos mantienen siempre un aspecto natural, pero, aún así, hay que tener cuidado para no sobreajustarlos.

El panel Luminancia, de Camera Raw, permite aclarar u oscurecer los colores individualmente y de forma natural.

Otro interesante ajuste de color en la sección HSL de ambos programas es Luminancia. Este control hace que los colores sean más brillantes u oscuros. En Photoshop, Luminosidad, dentro de la ventana Tono/saturación, cumple la misma función, pero de una forma muy acentuada. Luminancia, por el contrario, aplica pequeños cambios en el brillo, sin perder su aspecto natural. Con este comando se puede, por ejemplo, oscurecer un cielo sin que el resto de elementos se vean afectados.

El panel HSL, de Lightroom, dispone de un botón que, al pulsarlo, convierte el cursor en una herramienta de ajuste individual.

Lightroom va un paso más allá. En la esquina superior izquierda del panel HSL dispone de un botón que, al pulsarlo, convierte el cursor en una herramienta de ajuste individual. Con él, se pueden realizar ajustes específicos con el propio cursor.

Esta es una herramienta muy interesantes. Al desplazar el cursor sobre la imagen, y situarlo sobre un color específico, se selecciona automáticamente. Para modificarlo basta con pulsar y desplazar el ratón.

Al situar el cursor sobre un color específico, se selecciona automáticamente. Para modificarlo basta con pulsar y desplazar el ratón.

El arte de ajustar el color

El ajuste de color no es una ciencia exacta. Cada persona interpreta los colores de una forma diferente, por lo que su ajuste es todo un arte, una habilidad que hay que aprender y practicar hasta llegar a dominarla. Habrá que probar diferentes ajustes observando con atención cómo cambian, teniendo presente que corregir la saturación no significa necesariamente aumentar la intensidad de los colores, sino que, en ocasiones, habrá que reducirla para equilibar los tonos de una imagen.

Y, sobre todo, no tener ningún tipo de reservas a la hora de experimentar con los colores. Haciéndolo de todas las formas posibles, se adquiere conocimientos sobre los controles de ajuste de las imágenes y cómo se deben aplicar.

Digim@g.

Tradicionalmente, obtener una buena fotografía en blanco y negro llevaba asociado aislarse en un cuarto oscuro, mezclar productos químicos, calcular tiempos de exposición, así como otra serie de tareas, para que la imagen apareciese en el papel como por arte de magia. La tecnología digital simplificó el proceso, haciéndolo posible sin el esfuerzo y el coste del revelado de la película. Sin embargo, no ha sido hasta hace unos pocos años cuando los programas de edición fotográfica, y, más importante aún, las impresoras inkjet, han dispuesto de la tecnología necesaria para conseguir imágenes en blanco y negro capaces de igualar, e, incluso, superar, la calidad de lo que era exclusividad del cuarto oscuro.

Conversión de las imágenes

Para conseguir una gran fotografía en blanco y negro es imprescindible partir de una buena imagen, para no cumplir con el refrán “lo que mal empieza, mal acaba”. Para ello, se ha de poner especial cuidado en la toma, resistiendo la tentación de usar el modo de blanco y negro que suelen ofrecer las cámaras digitales. Es preferible captar la imagen en color y convertirla posteriormente en una aplicación. Las fotografías en color contienen más datos y riqueza de detalles que las que se toman directamente en blanco y negro, lo que resulta muy conveniente para la posterior conversión. Además, con una imagen en color siempre se tiene la opción de imprimir dos versiones de la misma toma: una en color y otra en blanco y negro.

Las opciones que ofrecen los programas de edición de imágenes para la conversión a blanco y negro suelen ser bastante amplias, cada una de ellas, eso sí, sus ventajas y sus inconvenientes. Por regla general, los métodos más sencillos proporcionan unos resultados bastante discretos. Así, se habrá de evitar la utilización directa de comandos como “Eliminar color”, “Desaturar” o “Convertir a escala de grises”, ya que estas conversiones dependen únicamente de los ajustes por defecto de la aplicación. En su lugar, se han de explorar otros procesos de conversión que ofrezcan un mayor control de la tonalidad de la imagen.

El ajuste Blanco y negro de Photoshop dispone de opciones para simular los filtros fotográficos utilizados tradicionalmente para la fotografía en blanco y negro. Además, ofrece la posibilidad de personalizar los ajustes por medio de deslizadores, que afectan individualmente a cada uno de los colores.

Las versiones más recientes de Adobe Photoshop ofrecen innumerables opciones de conversión, y algunas de ellas requieren un buen dominio de Capas y Canales. Pero Adobe ha facilitado esta tarea incluyendo en sus programas una función de conversión a blanco y negro. Por ejemplo, en Elements, el “hermano pequeño” de Photoshop, puede accederse a ella a través de Mejora > Convertir a blanco y negro;  mientras que en Photoshop: Imagen > Ajustes > Blanco y negro. Este comando ofrece la posibilidad de aplicar un ajuste de conversión predefinido, o, para obtener un mayor control, realizar ajustes personalizados de la información de color, deslizando las barras específicas.

Las últimas versiones de Adobe Photoshop Lightroom y Apple Aperture también disponen de mezcladores de escalas de grises, que permiten la conversión rápida de una imagen en color a blanco y negro, y el posterior ajuste de la luminosidad de acuerdo a los colores. El uso de estos comandos en ambos programas es muy sencillo, si bien Lightroom ofrece un mayor control sobre los colores, mientras Aperture ofrece más opciones de conversión predefinidas.

[View with PicLens]

 

Sin filtro (izquierda). Filtro de densidad neutra (centro). Filtro azul de alto contraste (derecha).

También existe un amplia oferta de plug-ins de conversión a blanco y negro para  Photoshop. Uno de los más completos es Exposure 2, de Alien Skin, que ofrece una extensa gama de ajustes predefinidos para la simulación de películas de blanco y negro o color, con efectos de color, tono, foco y grano. Incluye, además, una opción de infrarrojos muy interesante. De forma similar, RealGrain, de Imagenomic, dispone de una excelente selección de herramientas de ajuste para la conversión a blanco y negro. Color Efex Pro, de Nik Software, también incorpora un sencillo y efectivo conjunto de opciones de blanco y negro, además de efectos especiales de color.

Uno de los secretos para la adecuada conversión de las imágenes a blanco y negro es conseguir un extenso rango dinámico, con riqueza en las sombras y altas luces, y una amplia gama de grises en toda la imagen. Además del aspecto estético, si conseguimos una fotografía con un buen rango tonal, estaremos preparados para el siguiente paso: trasladar la fotografía a papel.

Impresión en blanco y negro

No todas las impresoras inkjet resultan apropiadas para la impresión monocromática, por lo que si se piensa realizar una importante producción de impresiones de este tipo, primero habrá que seleccionar el dispositivo adecuado. Para la impresión de fotografías en blanco y negro, la impresora ha de contar, al menos, con dos cartuchos distintos de negro, como es el caso de la Epson Stylus Photo R1900. Estos dos cartuchos generalmente incluyen uno de negro fotográfico, para las superficies de brillo, y otro de negro mate, para las superficies mate. La inclusión de tintas grises adicionales mejorará aún más los resultados, ya que resulta muy difícil obtener grises completamente neutros en una impresora que no dispone de tintas grises, ya que los ha de reproducir a partir de tintas de color.

Epson Stylus Pro 4880.

Además, la inclusión de tintas grises hace que las fotografías muestren una mayor y más suave gradación entre los tonos grises. Por ejemplo, la Canon PIXMA Pro9500 y la HP B8850 disponen de un cartucho independiente de tinta gris, además de los dos de negro -fotográfico y mate-. La Epson Stylus Photo R2880 da un paso más en la impresión en blanco y negro con la inclusión de 3 cartuchos distintos de tinta negra: fotográfico, mate y negro claro. Menos funcional es que se han de intercambiar manualmente los cartuchos de negro fotográfico o mate cuando se quiere imprimir sobre superficies brillo o mate, respectivamente. Sin embargo, la calidad de las imágenes impresas es tan impactante que hace que este pequeño inconveniente sea poco menos que anecdótico.

Las impresoras fotográficas han de disponer de diversas tintas grises y negras para poder imprimir fotografías en blanco y negro de alta calidad.

No menos importante que las tintas resulta la elección de un papel adecuado. La mayoría de los fabricantes de impresoras inkjet ofrecen una amplia gama de papeles, de tal modo que resulta sencillo encontrar papeles brillo, mate, acuarela o artísticos, en una gran variedad de tamaños y acabados. El uso de un tipo de papel u otro depende exclusivamente de las preferencias del usuario, si bien, la impresión de imágenes en blanco y negro sobre papeles mate, acuarela o artísticos resulta impactante. Los últimos avances en esta tecnología, particularmente los de Epson, sin embargo, también han hecho posible la utilización de impresoras de tinta pigmentada para la impresión sobre superficies brillo.

HP Photosmart Pro B8850.

La elección de un papel adecuado posibilita la obtención de un resultado satisfactorio. En este sentido, las mejores opciones son la gama Velvet Fine Art, de Epson, o los papeles Hahnemühle, para Canon y HP. Antes de adquirir un papel determinado, sin embargo, se ha de poner especial atención, ya que no todas las impresoras son compatibles con todos los papeles. Por ello, es recomendable probar varios papeles, adquiriendo pequeñas cantidades de cada uno, antes de lanzarse de lleno a la impresión de las fotografías.

Canon PIXMA Pro 9500.

La oferta de papeles de fabricantes independientes también es muy amplia, si bien, los desarrolladores de impresoras inkjet sólo garantizan los mejores resultados cuando se utilizan papeles comercializados bajo su propia marca. Esto tiene su sentido, ya que realizan la investigación de tintas y papeles conjuntamente. Aún así, si se opta por la utilización de papel de terceros, se han de emplear perfiles ICC específicos para cada impresora, ya que de no ser así, los resultados son impredecibles.

El creciente interés en la impresión de fotografías en blanco y negro ha llevado a los fabricantes a desarrollar papeles baritados. Este tipo de papeles reciben tal denominación por incluir un laminado especial de sulfato de bario aplicado sobre una base de fibra, simulando la superficie de los papeles blanco y negro utilizados tradicionalmente en el cuarto oscuro. De estas características es el papel Exhibition Fiber, de Epson, mientras que otros fabricantes como Hahnemühle, Ilford, Harman Technology o Innova también lo ofrecen en su gama.

Papel Hahnemühle Photo Rag Baryta.

Antes de lanzarnos a la impresión de fotografías, debemos asegurarnos de estar utilizando el perfil de impresora adecuado al papel utilizado. La mayoría de los fabricantes de impresoras inkjet incluyen los perfiles de sus propios papeles en el driver de la impresora. Así, si se va a utilizar un papel Epson con una impresora Epson, por ejemplo, no tendremos que preocuparnos. Es recomendable, sin embargo, visitar regularmente la página web del fabricante para comprobar el lanzamiento de actualizaciones o nuevos perfiles. En el caso de utilizar papeles de fabricantes independientes, la mayoría de ellos ofrecen en su página web la descarga gratuita de perfiles ICC, que han de ser descargados e instalados antes de comenzar a imprimir.

Con un poco de práctica, resultará sencillo obtener fotografías en blanco y negro con las que decorar las paredes de casa.

También es interesante observar algunos conceptos básicos sobre el manejo del color y asegurarnos que el monitor está bien calibrado. De no hacerlo, corremos el riesgo de adecuar la imagen a su aspecto en pantalla y obtener una fotografía impresa notablemente distinta. Otro aspecto que hay que evitar es la utilización simultánea de más de un perfil. Ya hemos visto que al imprimir una imagen se ha de seleccionar el perfil adecuado, para que la impresora se encargue de hacer los ajustes apropiados a un tipo específico de papel. Por otro lado, los programas de edición, como Photoshop, pueden asumir también esta tarea, de tal modo que se puede crear un conflicto entre la aplicación y el perfil de la impresora, produciendo resultados inesperados.

Como suele ser habitual, la mejor forma de obtener resultados satisfactorios es la experimentación. Así, se han de probar diferentes papeles hasta encontrar la superficie que más se ajusta a nuestros gustos, comparando los diferentes resultados. Así, con un poco de paciencia y constancia podremos obtener atractivas e impactantes fotografías, con las que, por ejemplo, decorar las paredes de nuestra casa.